Comment devenir cameraman pro

camera Pro

Publié le : 19 juillet 202324 mins de lecture

La création d’une vidéo soignée et de qualité professionnelle n’implique pas nécessairement de dépenser de l’argent dans du matériel vidéo coûteux ou dans des ateliers de réalisation de films. Vous pouvez devenir un cameraman pro Paris en prêtant attention à quelques détails clés qui ne sont peut-être pas évidents au premier abord, et en pratiquant votre art. Ces conseils en matière de vidéographie s’avéreront très utiles, que vous tourniez une production haut de gamme ou que vous créiez simplement un blog que vos téléspectateurs aimeront regarder.

La plupart de ces conseils et techniques de vidéographie sont intemporels. Cela signifie que vous pouvez toujours vous y référer en tant que guide complet lorsque vous déciderez de poursuivre une carrière dans la vidéographie et de devenir directeur de la photographie ou cinéaste. Essayez-les et apprenez-les par cœur. En chemin, ces conseils vous aideront non seulement à produire des vidéos plus professionnelles qui impressionneront votre public, mais aussi à réaliser votre potentiel et votre propre style créatif.

19 conseils de vidéographie pour faire passer vos vidéos au niveau supérieur

1. Recherche

Avant tout, faites des recherches. Plus vous en saurez sur le sujet, mieux vous pourrez raconter cette histoire particulière. Qu’il s’agisse d’une interview ou d’une conversation, vous devez savoir de quoi vous parlez si vous voulez transmettre des informations importantes à votre public.

2. Rassemblez votre matériel

Heureusement pour les débutants, nous vivons à une époque où les appareils photo numériques de haute qualité sont abordables pour un usage personnel et récréatif. Vous pouvez pratiquer la vidéographie avec des gadgets que vous possédez peut-être déjà. Pensez à votre iPhone ou à votre smartphone Android, à condition de garder ces quelques conseils à l’esprit :

Utilisez l’appareil photo arrière pour obtenir des images de meilleure qualité filmez en mode paysage (horizontalement plutôt que verticalement)

Activez la grille de superposition sur votre écran, si vous en disposez, lorsque vous filmez. Vous disposerez ainsi d’un guide pratique pour maintenir votre téléphone à l’horizontale.

Si vous disposez du budget nécessaire, nous vous recommandons vivement d’acheter un stabilisateur à cardan pour votre appareil photo afin d’obtenir des prises de vue à main levée plus stables, un microphone externe pour une meilleure qualité audio et un trépied vidéo fiable.

3. Planifiez votre tournage

Si vous allez tourner un clip musical, une publicité ou un court-métrage, vous aurez beaucoup plus de liberté pour planifier votre production vidéo du début à la fin. Pour faire comme les pros, créez votre propre story-board avec des illustrations de vos scènes dans l’ordre. Cela vous aidera à prévisualiser vos séquences finales et à définir les plans souhaités. Il vous servira de guide pendant le tournage et le montage, et vous aidera à déterminer le moment idéal de la journée pour le tournage, les lieux de tournage souhaités et les caméras à utiliser (au cas où vous auriez plusieurs options) avant le tournage.

En revanche, si vous couvrez un événement, vous voudrez être aussi prêt que possible. Par exemple, dans le cas de la vidéographie de mariage, le vidéaste doit savoir comment capturer tous les moments les plus importants et créer des vidéos fantastiques de la mariée, du marié et de la fête de mariage.

Voici quelques conseils utiles à retenir en matière de vidéographie de mariage :

Assurez-vous de connaître parfaitement le calendrier de toute la journée du mariage, de la cérémonie au programme de la réception.

Préparez une liste de prises de vue pour le mariage. Cette liste doit inclure le premier baiser, la découpe du gâteau et d’autres moments clés que le couple souhaite immortaliser.

Tout comme il existe des styles de photographie de mariage, il existe également certains styles de prise de vue pour la vidéographie de mariage. Restez fidèle à un style spécifique. Soyez cohérent et utilisez celui qui convient au couple et à l’événement pour obtenir une vidéo de mariage cinématographique parfaite.

4. Racontez une histoire

L’une des principales raisons pour lesquelles les spectateurs se désintéressent d’une vidéo est le manque de narration. Une simple image ou un court clip vidéo peut faire une déclaration profonde, relater une anecdote amusante ou faire une observation poignante sur la condition humaine. Passez d’un sujet à l’autre ou créez un effet dramatique grâce à une lumière intéressante, c’est à vous de choisir.

Intégrez l’émotion dans l’histoire et maintenez l’attention du spectateur. Choisissez une prémisse à laquelle les gens peuvent s’identifier. Ajoutez un peu de conflit et concluez par une sorte de résolution. Il s’agit là d’éléments de base du récit, mais c’est à vous de décider comment les présenter dans le cadre de votre vision unique. Vous devez également tenir compte des caractéristiques démographiques de votre public. À qui s’adresse la vidéo ?  Par exemple, s’agit-il d’une publicité pour une chaîne de restauration rapide ou pour une marque de vêtements ?

5. Montrez, ne racontez pas

La narration vidéo est, par définition, un média visuel. Pour l’utiliser pleinement, vous devez immerger le spectateur dans le monde comme s’il était le témoin de l’action. Laissez-le trouver sa conclusion et se forger sa propre opinion. De cette façon, le sentiment de satisfaction est plus grand s’il le découvre par lui-même.

Maintenant que vous montrez au lieu de raconter, vous pouvez utiliser le classique « large, moyen, serré », qui fait partie du langage cinématographique depuis sa création. Il peut être utilisé pour situer le lieu, montrer les moindres détails et tout ce qui se trouve entre les deux. Ce que vous montrez est aussi important que la manière dont vous le montrez, ce qui renvoie à la motivation. Pourquoi utilisez-vous un objectif grand angle ? Pourquoi avez-vous besoin de déplacer la caméra ou de faire un plan au ralenti ? Chaque outil de votre arsenal cinématographique a besoin d’une raison ou d’une motivation pour être utilisé.

6. Un bon éclairage

L’un des plus grands secrets pour réaliser des vidéos de qualité professionnelle est d’utiliser l’éclairage pour raconter votre histoire. Lors de la conceptualisation, essayez d’être intentionnel en matière d’éclairage. Déterminez les types d’éclairage dont vous avez besoin et l’endroit où vous les placerez pour obtenir l’effet désiré. Si vous disposez d’un budget limité et que vous travaillez avec des éclairages existants (comme des lampes ou le soleil), réfléchissez à la manière dont vous pouvez les adapter à votre scène.

Par exemple, si vous voulez une scène dramatique, vous aurez besoin d’ombres aux bons endroits. Au contraire, une lumière abondante peut ajouter de la gaieté et créer une atmosphère éthérée, en fonction de l’emplacement de la lumière.

7. Un arrière-plan simple

Ne filmez pas n’importe où. Efforcez-vous d’utiliser un arrière-plan simple ou de l’améliorer en éliminant le plus d’éléments possible. Beaucoup utilisent des arrière-plans de couleur unie – qu’il s’agisse d’un mur, d’un drap de lit ou d’une toile de fond – et se placent (ou placent leurs sujets) à quelques mètres de l’arrière-plan afin d’éviter de projeter une ombre.

L’essentiel est de minimiser les éléments qui encombrent la scène et détournent l’attention du sujet. Bien qu’il existe des thèmes et des intrigues qui bénéficient d’une scène encombrée, vous pouvez vous concentrer sur l’amélioration de votre vidéographie avec les éléments de base, puis passer à un niveau supérieur et expérimenter à partir de là.

8. Améliorez votre composition

Un cinéaste professionnel ou un membre de l’industrie cinématographique peut être en mesure de repérer le travail d’un amateur dès les premières secondes d’un projet vidéo. Cela reste vrai même si des caméras haut de gamme ont été utilisées. Qu’est-ce qui les trahit ? C’est l’absence de cadrage et de composition corrects.

Ce que beaucoup de débutants ne réalisent pas, c’est qu’une bonne vidéographie (en particulier la cinématographie) ne se limite pas à pointer la caméra sur la scène ou le sujet. Il s’agit d’arranger et de permettre aux éléments visuels de raconter votre histoire. Il s’agit également de modifier le cadrage de la caméra afin de rendre la scène esthétiquement agréable.

La règle des tiers est l’une des plus importantes astuces de vidéographie cinématographique et règles de composition. Il s’agit de placer la tête du sujet un peu plus haut (pas au centre) dans le cadre et de lui donner une respiration visuelle ou un espace de marche lorsqu’il est tourné vers les côtés. Une autre règle consiste à rester du même côté que deux personnes en train de parler lorsque l’on prend des photos par-dessus l’épaule. Il est également essentiel d’avoir un premier plan et un arrière-plan pour créer de la profondeur dans une scène.

Certaines de ces techniques sont similaires aux techniques de composition de base de la photographie, c’est pourquoi vous pouvez vous documenter et vous entraîner à l’aide de tutoriels.

9. Expérimentez les angles

Les angles que vous utilisez pour capturer votre contenu ont une grande influence sur l’ambiance et la perspective. Les principaux angles utilisés par les cinéastes sont les suivants : bas, haut, à vol d’oiseau et par-dessus l’épaule. L’angle bas est obtenu en plaçant la caméra sous le niveau de la ligne de mire et en regardant le sujet vers le haut. Cet angle est également connu sous le nom d’angle « héroïque », car le sujet semble dominer tout et paraît plus grand que nature.

Un angle élevé permet de voir le sujet d’un peu plus haut. Il est souvent utilisé pour donner une idée de l’environnement. Cependant, lorsqu’il est utilisé correctement, il permet également au sujet d’apparaître plus vulnérable. La vue à vol d’oiseau est souvent prise de très haut, souvent à l’aide d’un drone. Elle permet au spectateur d’avoir une vue plus large de l’environnement que ne le permet un angle de vue élevé. La vue par-dessus l’épaule est souvent utilisée lorsque les personnages se parlent ou pour montrer quelque chose qu’un personnage voit et que l’autre ne voit pas.

10. Sélectionnez vos talents

Il est essentiel de choisir les bons talents pour votre vidéo. Interrogez plusieurs candidats avant de vous décider.  Il est également prudent de choisir quelqu’un qui a de l’expérience dans des situations similaires au contenu que vous créez. Par exemple, si vous réalisez une vidéo didactique, il est préférable de faire appel à une personne qui a déjà réalisé des contenus similaires dans le passé. Une personne qui n’a de l’expérience que dans la réalisation de publicités sur les boissons énergisantes n’est peut-être pas la bonne personne pour ce travail particulier.

N’oubliez pas qu’un bon talent coûte de l’argent, alors n’oubliez pas de le prévoir dans votre budget. Vous voudrez une personne capable d’exprimer toute une gamme d’émotions, de l’excitation à la tristesse, et tout ce qui se trouve entre les deux.  Les qualités d’élocution et d’intonation d’un artiste sont également des facteurs importants à prendre en considération. Assurez-vous que le talent peut parler d’une manière adaptée à votre produit ou à votre contenu. Il doit également être capable de parler avec différentes intonations.  Évitez à tout prix le locuteur monotone !

11. Veillez au bon positionnement de la caméra

Une erreur fréquente commise par les débutants est de ne pas tenir compte de l’influence de la longueur focale de l’objectif et de la distance relative de l’appareil photo par rapport au sujet sur l’aspect de la scène. Pour les gros plans, ne placez jamais votre appareil photo près de votre sujet, car cela peut créer des distorsions faciales peu attrayantes et rendre plus difficile le recadrage des bords de la scène. Il est beaucoup plus facile de placer l’appareil photo à quelques mètres de distance et de zoomer avec précaution avec l’objectif de l’appareil.

Mais avant de zoomer avec votre caméra, sachez que vous devez le faire de manière optique (avec l’objectif) et non de manière numérique (en zoomant sur votre écran), car cette dernière méthode dégradera la qualité de vos clips vidéo et les rendra peut-être pixellisés.

12. Utilisez la mise au point manuelle

Bien que la fonction autofocus de votre appareil photo soit très pratique, elle peut ruiner votre enregistrement lorsqu’elle entre et sort de la mise au point alors que vous essayez de localiser votre sujet dans des scènes faiblement éclairées. La solution consiste à utiliser le verrouillage de l’exposition et de la mise au point sur votre smartphone ou à passer à la mise au point manuelle sur votre appareil photo autonome, de manière à ce que vous puissiez utiliser vos propres yeux et régler la mise au point vous-même.

Le réglage de la mise au point vous permet également d’ajouter des effets intéressants à votre vidéo, comme la technique de la mise au point par crémaillère, qui consiste à faire la mise au point sur différents objets successivement (à l’aide d’une faible profondeur de champ qui estompe tout le reste) afin d’attirer l’attention du spectateur. Bien utilisée, cette technique peut être un outil très puissant pour raconter une histoire.

13. Réglez la balance des blancs

La correction de la température et des couleurs constitue un véritable défi pour de nombreux professionnels. Si vous utilisez plusieurs caméras pour enregistrer la même scène, il est possible que les caméras aient des températures de couleur par défaut différentes. C’est un problème lorsque vous utilisez des caméras de marques différentes, comme Sony et Canon. Il peut également s’agir d’un problème lors de l’utilisation d’appareils photo de la même marque. Pouvez-vous imaginer à quel point il serait dérangeant de voir des clips alternativement bleus et jaunes chauds ? Réglez la balance des blancs sur toutes les caméras avant l’enregistrement afin de produire des clips plus cohérents et d’aspect plus professionnel. Cela permettra d’accélérer le processus de montage et de réduire les coûts de postproduction à l’avenir.

Conseil supplémentaire : La balance des blancs « correcte » est subjective et peut dépendre du résultat souhaité. Par exemple, vous pouvez la régler intentionnellement pour qu’elle soit encore plus froide afin de donner à la scène une ambiance plus froide ou plus effrayante. Utilisez-la pour votre histoire, tant que vous faites preuve de cohérence dans chaque scène.

14. Exposer les scènes de manière homogène

Un autre problème que vous pouvez rencontrer lorsque vous utilisez plusieurs caméras vidéo pour filmer une scène est de vous retrouver avec des clips qui ne sont pas identiques en termes d’exposition. La même scène peut sembler plus sombre sur une caméra et plus claire sur l’autre. Cela est vrai si vous ne réglez pas les mêmes paramètres d’exposition, tels que la fréquence d’images, les niveaux ISO et l’ouverture. C’est la raison pour laquelle les objectifs dédiés au cinéma sont dotés de diaphragmes. Il s’agit de valeurs d’ouverture exactes, au lieu des valeurs plus théoriques des diaphragmes des objectifs photographiques classiques.

Pour les débutants, il peut être plus facile de tourner dans des environnements contrôlés. Vous pouvez avoir le même éclairage quelle que soit l’heure de la journée et utiliser le même appareil photo avec l’exposition verrouillée. Oui, l’enregistrement peut prendre plus de temps. Cependant, cela vous évitera d’avoir à corriger votre exposition lors de la post-production.

Conseils vidéo en prime : Si vous devez filmer à l’extérieur, faites-le rapidement et par temps clair afin que le soleil ne se couche pas sur vous et que les nuages ne gênent pas votre éclairage.

15. Appliquer des techniques cinématographiques

Un projet vidéo d’allure vraiment professionnelle intègre un mélange de mouvements de caméra de base qui non seulement amélioreront la narration, mais maintiendront également l’intérêt de vos spectateurs. Si vous voulez faire passer votre vidéographie au niveau supérieur et impressionner votre public, vous pouvez appliquer quelques techniques cinématographiques.

Les techniques que vous choisirez d’utiliser dépendront en grande partie de votre niveau de créativité et de la manière dont vous souhaitez présenter les scènes, mais l’idéal est toujours de choisir les quelques techniques essentielles qui raconteront le mieux votre histoire. Vous ne voulez pas en faire trop et finir par submerger vos spectateurs avec les images plutôt qu’avec votre histoire.

16. Évitez les plans tremblants

Qu’il s’agisse d’un panoramique, d’un plan à la grue ou d’un travelling latéral, vous ne voulez pas que vos prises de vue aient l’air tremblantes. Outre le fait que vos séquences ressemblent à des vidéos amateurs, elles pourraient donner le mal de mer à vos spectateurs. Il est essentiel de maintenir votre caméra sur un trépied ou toute autre surface stable.

Une fois que votre caméra est installée, essayez de ne pas la bouger, sauf si vous y êtes obligé. Lorsque vous devez commencer à faire des panoramiques ou des zooms, considérez votre caméra comme une tasse de café pleine. Gardez une vitesse constante et ne faites pas d’arrêts brusques.

17. Chronométrez vos prises de vue

Voici quelques conseils de vidéastes professionnels que vous ne trouverez peut-être pas dans de nombreux articles pratiques. Faites en sorte que vos plans durent plus de cinq secondes, mais pas plus de dix secondes, afin de retenir efficacement l’attention de vos spectateurs. Dans le même temps, n’oubliez pas de garder vos plans stables pendant au moins 10 secondes – pas de panoramique ni de zoom avant. De nombreux débutants trouvent que ces règles sont extrêmement utiles pour minimiser les mouvements de caméra, réduire le temps d’enregistrement et simplifier leurs séquences lors de la post-production.

18. Prévoir l’audio

Avez-vous déjà vu une vidéo YouTube avec un mauvais son ? Bien sûr que oui ! C’est insupportable à regarder, n’est-ce pas ? À bien des égards, on peut affirmer que l’audio est plus important que la vidéo pour une variété de contenus. Pour un contenu optimal, prévoyez d’utiliser un système audio dédié plutôt que le micro intégré à votre appareil photo. Vous devez réfléchir à l’orientation du son que vous souhaitez capturer.

Souhaitez-vous capturer uniquement la voix de la personne qui se trouve devant la caméra ou également certains bruits ambiants ? S’agit-il d’une seule personne qui parle ou d’une interview ? Est-il important que le micro soit visible ? Vous devrez également contrôler l’audio à l’aide d’un casque spécial pour vous assurer que les niveaux sont adéquats, mais pas coupés. Allez-vous enregistrer le contenu directement sur la caméra ou sur un appareil externe ?  Enfin, envisagez d’utiliser au moins deux méthodes d’enregistrement, en particulier pour les contenus très importants que vous ne pourrez peut-être pas réenregistrer.

19. Filmer pour éditer

Ce « conseil de pro » signifie simplement que vous devez penser comme un monteur lorsque vous filmez. Lorsque vous enregistrez une scène, vous devez prendre plusieurs angles et quelques « plans de sécurité ». Vous aurez ainsi le choix plus tard, lors de la création du montage final. Vous économiserez ainsi du temps et des efforts que vous auriez pu consacrer à un nouveau tournage. En outre, vous éviterez de vous contenter de prises de vue médiocres qui donneront à votre travail un aspect non professionnel.

Lors du montage, utilisez un logiciel de montage vidéo simple auquel vous pourrez vous habituer avant de passer à des programmes plus complexes. Vous pouvez vous inspirer de nos conseils en matière de montage vidéo, qui comprennent des techniques simples mais professionnelles, en plus de la simple coupe, du découpage et de la correction des clips vidéo et des niveaux audio.

Enfin, les meilleurs appareils photo pour le tournage de vidéos

Les cinéastes en herbe craignent souvent d’avoir besoin d’un budget important pour créer des vidéos de qualité. Il existe de nombreux types de caméras, mais en fin de compte, la meilleure caméra pour un nouveau vidéaste est celle que vous savez utiliser. Bien que vous puissiez rêver d’une caméra de cinéma coûtant des dizaines de milliers d’euros, le marché regorge d’excellents reflex numériques et de caméras sans miroir qui conviendront parfaitement à la création de vidéos de haute qualité.

Si vous possédez déjà un appareil photo DSLR ou sans miroir, vous pouvez commencer à travailler sur la production vidéo dès maintenant. Recherchez des didacticiels sur les fonctions vidéo de votre appareil et apprenez les réglages idéaux pour l’enregistrement vidéo.

Comment débuter en tant que camera man professionnel ?

La meilleure façon de débuter en vidéographie est de regarder plusieurs vidéos et d’analyser réellement le contenu et les méthodes utilisées pour capturer les séquences. Faites attention aux détails tels que l’angle, l’utilisation créative de la profondeur de champ et les transitions. Il existe également des tutoriels de qualité sur YouTube et des blogs tels que celui-ci pour vous aider à démarrer. Vous n’avez pas besoin de vous procurer le meilleur équipement. Il y a de fortes chances que vous puissiez réaliser des contenus étonnants simplement avec votre smartphone. Le contenu est bien plus important que l’équipement utilisé pour le capturer. N’oubliez pas l’importance d’un bon son, ce que de nombreux débutants semblent oublier.

Quelles sont les compétences requises pour devenir camera man à Paris ?

La compétence la plus importante est la persévérance pour apprendre quelque chose de nouveau. Pour devenir un bon vidéaste, vous devrez d’abord vous familiariser avec les aspects techniques tels que la composition, l’éclairage, le son et les angles, comme nous l’avons vu plus haut. Ensuite, vous devrez maîtriser les principes de base tels que l’exposition correcte et la stabilité de la vidéo. Cependant, la compétence la plus importante est d’apprendre à bien raconter une histoire. La narration est importante quel que soit le type de contenu que vous créez, qu’il s’agisse d’une simple publicité ou d’un long métrage. La façon dont vous choisissez de transmettre votre histoire est liée aux aspects techniques, mais l’histoire elle-même est le fruit de votre seule vision.

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